SEB

« Backpack »

2026/ Epheritee / FRANCE / 3700187691653

Il existe tant d’artistes solos qui tentent des percées artistiques en utilisant les méthodes de composition actuelles, souvent mêlées à une utilisation massive d’auto-tune. Autant vous prévenir tout de suite : j’aime lorsqu’une véritable osmose se dégage de ce type de propositions musicales ; mais rares sont ceux qui tirent réellement leur épingle du jeu. À mon goût, ils oublient trop souvent des éléments essentiels à la réussite d’un album : travailler la cohérence, affirmer une signature et faire la différence.

SEB n’est pas un inconnu dans le monde créatif. YouTubeur français largement apprécié pour la qualité de ses thématiques comme de ses documentaires, c’est aussi un musicien dans l’âme. Après plusieurs années à publier des freestyles sur sa chaîne, il signe un contrat en maison de disques et propose, en 2021, un premier projet, « Crash Test ». C’est aussi à cette période qu’il découvre les coulisses d’une industrie très portée sur le contrôle ; lui, habitué à travailler en totale indépendance, se heurte rapidement à un fonctionnement qui lui correspond peu.

Une mauvaise expérience permet souvent de rebondir. En 2026, SEB retourne sur les terrains de l’indépendant, relié uniquement à un contrat de distribution. Il revient alors avec un album bien plus abouti, mature et construit, où une attention particulière est portée aux textes et aux punchlines. Là où son précédent projet misait davantage sur la performance, avec un flow rapide et dense, « Backpack » prend le temps de respirer et de raconter. Des morceaux comme « XP » et son côté posé, « Tunnel » et son introduction organique, mais aussi l’acoustico-reggae « Ce Monde » ou encore la réussie « Sobre & Saoul », s’écoutent comme autant de petites histoires facilement mémorisables. L’album doit également beaucoup à sa conception collective : élaboré aux côtés des compositeurs Saan et Racy, il gagne en cohérence et en identité, formant un ensemble qui fait pleinement corps avec l’artiste. On sent qu’il y a du travail, et cela fait du bien à entendre.

L’habillage visuel, lui, n’est pas en reste. Pendant plusieurs mois, SEB développe une véritable charte visuelle pour sa musique aux côtés d’un studio d’animation, allant jusqu’à créer une mascotte à la manière de Gorillaz. Il en ressort un personnage mi-animal, mi-humain, inspiré du paresseux, au style intemporel, qui sera baptisé Slout. Quant à la pochette, elle est signée par l’artiste-peintre toulousain Karl N’da Adopo, qui livre ici un travail particulièrement remarquable, réalisé sur une toile de 100 × 100 cm.

Le tout a été proposé sur différents supports physiques, allant de la clé USB reprenant les traits de Slout à une version CD digipack. Côté vinyles, l’album est décliné en édition double shaped-disc ainsi qu’en version zoetrope.

« Backpack » est une très belle surprise musicale printanière, et une grande avancée pour un p’tit gars passionné de musique qui a enfin mis sur pieds un album qui lui ressemble. Un album ‘made by Sébastien’.

Polyphia

« New Levels New Devils »

2018 / Equal Vision Records / USA / EVR1020

Il y a des groupes que l’on découvre parfois sur le tard, et l’on se demande comment on a pu passer à côté. Polyphia fait partie de ceux que j’aurais aimé connaître plus tôt, et en particulier leur album « New Levels New Devils », leur troisième opus studio, paru en 2018.

Ce qui est génial avec Polyphia, c’est indéniablement cette fusion habile entre funk et metal, dans laquelle la slap bass devient un élément central. Ce genre spécifique, certains le qualifient de ‘djent’. Mais concrètement, c’est bien face à un metal progressif instrumental que l’on se trouve.

Le groupe texan, originaire de Dallas – composé de Clay Aeschliman, Clay Gober, Scott LePage et Tim Henson – ne se contente d’ailleurs pas d’impressionner par sa virtuosité : en plus de faire preuve d’une grande créativité et de bousculer plusieurs codes, il redéfinit les contours de la guitare moderne, le tout plongé dans un bain de ‘trap’ et de pop futuriste, avec un soupçon de jazz et des grooves urbains.

Des morceaux comme « Death Note », « Bad » ou « Drown » viennent confirmer la présence magnétique de Polyphia. C’est un festival de cordes où la basse joue un rôle crucial, toujours située entre instants funky, riffs percutants et rapides, et performances testostéronées. Un peu plus loin dans la tracklist, on retrouve « G.O.A.T » et ses accents légèrement hip-hop, qui pourraient aisément accueillir le flow d’un rappeur. Sur le chemin, on croise aussi la décadente « Saucy », mais également la pop « So Strange », qui accueille la voix du multi-instrumentiste mexico-californien Cuco, artiste indie s’inspirant du latin jazz et – l’on y revient – du hip-hop.

Côté vinyles, « New Levels New Devils » connaît de nombreuses variantes et repressages, majoritairement publiés sur le territoire nord-américain. Parmi les pressages ‘splatter’, ‘clear smoke’ ou encore ‘gold’, on trouve deux éditions intéressantes : la première est le repress ‘Red And White Petal Vinyl’, limité à 1500 exemplaires, qui s’avère être un ‘cornetto’. De l’autre côté, l’édition premium, limitée à 1000 exemplaires, est agrémentée d’une alternate cover plus sombre et de deux vinyles colorés dont les faces arrière sont gravées au laser.

Alicia Keys

« Songs In A Minor » (20th Anniversary Edition, Store Exclusive)

2022 / J Records / USA / 19439912961

Comment oublier « Songs in A Minor », un album encore aujourd’hui représentatif d’une époque où la soul contemporaine était un genre musical que l’on boudait rarement. Ce premier album studio, récompensé par cinq Grammy Awards et certifié disque de platine à dix reprises, aura atteint – non sans mal – les 12 millions d’exemplaires vendus dans le monde. Il va surtout bouleverser la carrière de sa capitaine à bord, alors âgée de 20 ans : Alicia Keys.

Et Keys n’est pas une simple chanteuse : elle est une pianiste-interprète, une compositrice qui habite ses morceaux, et ce double regard fait toute la différence. « Songs in A Minor », ce sont aussi des titres marquants comme « Girlfriend » (co-composé avec Jermaine Dupri), mais aussi – et surtout – « Fallin’ », cette ballade omniprésente dans tous les iPods de l’époque. On y trouve également une surprenante reprise de Prince, « How Come You Don’t Call Me » (que son auteur a adorée), ou encore la réussie « Rock Wit U », la R&B « Goodbye », la latine « Mr. Man », la délicate « Butterflyz » et la gospel « Lovin’ U ». Mais le plus beau morceau reste sans doute « Foolish Heart », qui apparaît en bonus track dans l’édition du 20ème anniversaire.

Vous l’aurez compris : Alicia Keys – ici notamment accompagnée par le producteur exécutif Clive Davis (ex-président de Columbia, qui a cofondé Arista et signé Whitney Houston) – a mis toutes les chances de son côté et a visé artistiquement large. Pas étonnant, donc, que cet album aura parlé – et parlera encore – au plus grand nombre d’aficionados de soul contemporaine.

Côté vinyle, les petits plats ont été mis dans les grands pour l’édition vinyle américaine du 20ème anniversaire, publiée en janvier 2022 et exclusivement disponible sur la boutique en ligne de l’artiste. À l’intérieur, deux disques colorés de type ‘swirl’, verts et noirs, dont deux morceaux bonus figurent sur la face D. Mais l’effet ‘wow’ demeure sa pochette gatefold, dans laquelle se trouve un piano en pop-up. En dessous, une enveloppe renferme une lettre signée par Alicia Keys. Il fallait bien ça pour un album désormais devenu un classique du R&B outre-Atlantique !

Wolfmother

« Wolfmother » (20th Anniversary Edition)

2026 / Universal / EUROPE / 602475994923

Dès les premières mesures de son premier album éponyme, « Wolfmother » impose une signature : un rock rétro-futuriste tirant autant des racines du hard des années 70 – agrémenté d’un heavy rock aguerri et légèrement bluesy – que d’une énergie presque psychédélique. À sa sortie en 2005, le disque, produit par David Sardy (qui composera notamment la B.O. du film « Bienvenue à Zombieland »), est un choc : un exemple de blues-rock revival qui appellera bon nombre de descendants. « Wolfmother » propulse aussi le trio australien sur le devant de la scène internationale, porté par des morceaux furieux comme « Woman » ou « Joker & The Thief », ce dernier étant utilisé par la marque française Peugeot comme indicatif pour promouvoir sa 308 SW.

Puis, Wolfmother finit par se scinder en 2008, avec le départ du bassiste/claviériste et du batteur. Le chanteur Andrew Stockdale devient alors le seul élément de la seconde vie du groupe. Et l’album suivant, publié en 2009, « Cosmic Egg » – pourtant enregistré aux côtés de trois nouveaux membres et malgré la production du Britannique Alan Moulder (Depeche Mode, The Killers, A Perfect Circle, …) – ne parvient pas à recréer la magie des débuts : le quatuor se perd.

Vingt ans après – et quatre albums studio au compteur – les premiers instants de l’histoire de Wolfmother continuent de coller aux basques du groupe. Alors, pour rassasier les fans les plus ardents de cette première période, et profitant de cet anniversaire, rien de tel que de raviver l’énergie d’alors en rééditant, pour la énième fois, le précieux de 2005. Mais cette fois-ci, il s’agit d’une célébration plus visuelle que musicale, avec une édition renfermant deux picture-discs où chaque face reproduit l’œuvre graphique (et mystique) signée par le génial illustrateur new-yorkais Frank Frazetta – à qui l’on doit aussi les pochettes de Molly Hatchet ou encore « Expect No Mercy » de Nazareth.

High-Hi

« Noonday Demon » (Pink Limited Edition)

2026 / PIAS Recordings / BELGIQUE / PIASB999LP

Nos amis belges vont certainement reconnaître un groupe de chez eux : High-Hi, déjà bien introduit dans le paysage pop alternatif depuis 2014, année durant laquelle le groupe est révélé en finale du ‘Humo’s Rock Rally’, un tremplin organisé par le magazine belge ‘Humo’ depuis 1978.

Mené au chant par Anne-Sophie Ooghe, accompagné de Dieter Beerten à la basse et de Koen Weverbergh à la batterie, le trio originaire d’Anvers nous est revenu en ce début d’année 2026 avec son quatrième album studio. Et quel album ! Musicalement, le contenu est qualitatif, bien mixé, marchant dans les pas des magiques Fleetwood Mac tout en fusionnant le tout avec un son shoegaze parfaitement dosé. C’est un pur album pop, et ça fait du bien à entendre.

Avant de se concentrer sur l’aspect musical, on peut évoquer le message que le groupe souhaite faire passer à travers le nom de son album, intelligemment baptisé « Noonday Demon ». Celui-ci tire ses origines de l’Ancien Testament : le ‘démon de midi’, celui qui vient pousser un homme, au milieu de sa vie, vers la débauche. Pour le groupe, le monde est paradoxal : il se sent en antithèse entre ce qu’il ressent intérieurement et ce qu’il extériorise réellement.

« Noonday Demon » est rempli de trouvailles musicales, à commencer par « Running » et ses accents eighties (presque empruntés à Robert Palmer), mais aussi la formidable « Odessa », aux riffs de guitare impeccables (façon The Cure). Il y a également la rythmée « ??How », ou encore « Scammers » et « The Show », toutes deux interprétées comme aurait pu le faire une certaine Sharleen Spiteri de Texas. Un album diversifié, complet, qui conserve tout du long une belle cohérence – notamment grâce aux conseils non négligeables d’Anthony Gonzalez du groupe M83. Cela s’entend particulièrement dans le morceau « 240p (Feedback) » qui vient clôturer l’album.

Côté vinyle, seul un disque rose opaque est proposé à ce jour sur le site officiel de High-Hi, dans une version limitée incluant une planche de stickers illustrant chacune des chansons de l’album. Le tout est livré avec une pochette PVC sur laquelle est apposé un autocollant. Chez High-Hi, on fait les choses bien, et c’est appréciable.

Pink Floyd

« Wish You Were Here » (50th Anniversary Quad-Liquid LP)

2025 / WEA / EUROPE / 5021732515896

Doit-on encore présenter ce classique du rock progressif ? N’a-t-il pas traversé plusieurs générations, au point de devenir, en 2026, une pierre angulaire majeure, voire un phénomène culturel reconnu ? Pink Floyd fut le spécialiste de ce type d’albums, et ce n’est pas le seul de leur discographie qu’ils auront réussi à laisser en héritage dans l’Histoire de la musique.

Publié en 1975, ce disque est une méditation sur l’absence, la nostalgie et l’érosion de l’authenticité dans un monde en mutation, sublimée par l’osmose inégalée du quatuor britannique. Du riff éthéré de « Shine On You Crazy Diamond » à la désolation poignante de « Wish You Were Here », l’album est une expérience presque spirituelle, qui s’adresse autant au cœur qu’à l’esprit. C’est ça, la magie du Floyd. Alors, pour son cinquantième anniversaire, tout était imaginable. D’ailleurs, à cette occasion, Columbia a proposé un coffret regroupant à la fois l’album remasterisé et quelques morceaux ‘rarities’.

Mais, en parallèle, les plus curieux ont su regarder du bon côté, notamment auprès du fabricant britannique ‘Bad World’ (connu pour ne jamais rééditer les vinyles qu’il propose). Durant quelques jours, juste avant les fêtes de Noël, a été proposée à la vente une version vinyle ‘liquid-filled’ de « Wish You Were Here ». Sa particularité ? Être un ‘quad-liquid vinyl’, fabriqué avec quatre compartiments renfermant des liquides de couleurs différentes, à l’image de l’illustration colorée qui servait de sticker sur les éditions avec polybags noirs.

Skunk Anansie

« Post Orgasmic Chill »

1999 / Virgin / ANGLETERRE / 7243 8 47104 1 5

Pour les quarantenaires, souvenez-vous de vos années 90 ! Pour les autres, il est temps de remonter les pendules à la rencontre d’un groupe au nom aussi étrange que singulier : Skunk Anansie.

Si le rock alternatif était leur crédo durant une bonne partie des nineties, c’était surtout une force scénique, une urgence émotionnelle incarnée par la présence magnétique de Skin. En 2001, le groupe se séparera, laissant à la chanteuse une parenthèse pour se lancer en solo, avant de renouer en 2009 et d’entamer une seconde vie dans sa carrière.

Mais dans leur discographie, comptabilisant sept albums (dont « The Painful Truth », publié en 2025), Skunk Anansie aura surtout eu le temps de déposer deux œuvres majeures : d’un côté, le populaire « Stoosh », disque d’or en France, porté par le single « Hedonism (Just Because You Feel Good) ». De l’autre, le plus marginal « Post Orgasmic Chill », troisième opus du groupe, certifié triple disque de platine en Italie, et notamment marqué par le morceau « Secretly », que l’on retrouvera dans la bande originale du film « Sexe Intentions ».

C’est justement ce troisième album qui nous intéresse aujourd’hui : plus puissant, plus intelligent que le précédent. Entre riffs acérés, textures électroniques parfois troublantes et textes incisifs, ce disque est un condensé d’adrénaline et de poésie brute. Un album capturant à la fois la rage et la vulnérabilité de son époque, qui nous rappelle que, oui, c’était ça, le ‘Skunk Sound’. À retenir dans la tracklist : des morceaux comme « Charlie Big Potato », mais aussi l’énervée « On My Hotel TV », la pertinente « The Skank Heads », la pop-rock « Lately », ou encore la ballade « You’ll Follow Me Down » (quatrième single de l’album).

Côté vinyles, « Post Orgasmic Chill » a été publié à maintes reprises, dont un pressage britannique rose en 2019, et plus récemment – pour célébrer les 25 ans de l’album – une ribambelle de pressages colorés, allant du bleu au ‘neon pink’ en passant par le ‘neon yellow’. En 2025, une édition turquoise a également vu le jour.

Extreme

« III Sides To Every Story »

1992 / A&M / EUROPE / 540 006-1

Si, d’emblée, le premier titre de l’album (« Warheads ») vous fait penser à un groupe de thrash metal, détrompez-vous. Le groupe Extreme est plus subtil qu’il n’y paraît. Et il va falloir vous plonger plus en profondeur dans leurs créations pour en comprendre l’essence.

Extreme est un groupe originaire de Boston, qui aura surtout connu son heure de gloire en 1990 avec un morceau unplugged baptisé « More Than Words ». Quant au nom du groupe, c’est un habile mot-valise qui fait cohabiter l’ancien premier nom du groupe local du chanteur et du batteur (nommé The Dream) avec le préfixe ‘ex’ – comprenez alors Ex-Dream = Extreme. Je vous le disais : il y a de la subtilité…

En 1992, leur troisième création studio, « III Sides To Every Story » – enregistrée en partie aux Abbey Road Studios – vous fait comprendre à quel point la fusion peut être séduisante, surtout quand elle est bien amenée. Et comme le titre l’indique, le voyage musical est composé tel un triptyque : la partie ‘Yours’, la partie ‘Mine’ et enfin la partie ‘…And The Truth’.

À l’intérieur, des morceaux comme « Politicalamity » ou encore « Cupid’s Dead » vous laissent comme un arrière-goût de Red Hot Chili Peppers dans les oreilles. Et puis, il y a des titres comme « Peacemaker Die » (intégrant un extrait du discours de Martin Luther King) ou « Our Father », tous deux plus proches d’un style à la Def Leppard.

De l’autre côté, il y a aussi « Rise N’Shine », qui flirte avec Queen (eux qui, à cette période, participent au Freddie Mercury Tribute Concert). Mais le morceau le plus convaincant de l’opus demeure – selon moi – « Am I Ever Gonna Change ». Enfin, si vous tendez bien l’oreille, vous reconnaîtrez durant un bref instant le morceau « Voodoo Child » de Jimi Hendrix à l’intérieur du titre « Rest In Peace ». Et pour les heureux possesseurs d’une version vinyle, vous gagnez un morceau supplémentaire (« Don’t Leave Me Alone »).

Mine de rien, « III Sides To Every Story » grimpera jusqu’à la seconde position des charts britanniques en 1992, et ira même jusqu’à devenir disque d’or aux États-Unis avec plus de 500 000 ventes. Après une dissolution en 1996, le groupe renaît dans les années 2000. On apercevra aussi le chanteur Gary Cherone rejoindre brièvement la line-up de Van Halen en 1998. Quant au guitariste Nuno Bettencourt – adepte de la six-cordes – il deviendra, à partir de 2009, musicien live pour les concerts de Rihanna, participant notamment à ses côtés au Super Bowl de 2023.

Alex Henry Foster

« City On Fire, Live In Veruno »

2025 / Hopeful Tragedy Records / CANADA / –

Toujours aussi magnétique et fascinant, le Canadien Alex Henry Foster – grand défenseur des droits humains et associé à ‘Amnesty International’ et ‘War Child’ – continue d’œuvrer et d’apporter des merveilles sonores à un public complètement connecté à lui. C’est la touche Foster : un pur musicien, doté de cette incroyable capacité à vous emporter dans un voyage viscéral de rock progressif dont lui seul en connaît les infimes secrets.

En 2025, un an après « A Measure Of Shape And Sounds » – un album aux connotations ambient réussi – et deux ans après sa collaboration avec Momoka Tobari sur l’album « Kimiyo », il marque un nouveau retour cathartique avec un morceau baptisé « City On Fire », qu’il interprète ici au festival italien ‘2Days Prog + 1’ (à Veruno), et dont la performance aura été captée puis retransmise sur YouTube.

Alex Henry Foster considère « City On Fire » comme une chanson significative, qui a pris beaucoup plus de sens avec les atrocités que la nature humaine inflige au monde. Pour l’artiste, « au-delà du feu qui brûle en nous et du cynisme qui en découle se trouve la nécessité de transcender la peur et de se perdre dans nos propres illusions enflammées ».

N’oublions pas non plus l’amour constant qu’Alex Henry Foster porte au support vinyle, lui qui – en parallèle – a co-créé aux côtés de Jeff Beaulieu une usine de pressage baptisée ‘Drummond Vinyl’. Le musicien propose aussi aux plus ardus fans de la galette ronde des pressages ‘lathe-cut’, directement gravés au sous-sol de son église-studio (‘The Upper Room’). Ainsi, pour les plus collectionneurs, « City On Fire » n’échappe pas à cette règle et a été mis en vente dans une édition ‘lathe-cut’ signée, sérigraphiée et limitée à 200 exemplaires.

Roger Hodgson

« Open The Door »

2000 / Canada Boy Vinyl / CANADA / XARL-6272-1A

Je ne vais pas vous faire l’affront de vous présenter Roger Hodgson, sauf, bien sûr, si vous ignoriez que c’est – entre autres – le chanteur de Supertramp. De toute manière, vous reconnaîtriez sa voix entre mille (un peu comme celle de Jon Anderson de Yes). Et ce n’est pas une nouvelle : Hodgson s’est vite envolé en solo, juste après l’ultime album du groupe britannique, avec un premier disque paru en décembre 1984, intitulé « In The Eye Of The Storm », dans lequel, en fin de tracklist, il rend un vibrant hommage à John Lennon avec « Only Because Of You ».

Après l’album « Hai Hai » en 1987 (enregistré aux côtés de trois membres de Toto, et qui s’avère être un échec), Roger Hodgson disparaît des bacs, mais pas du circuit musical, et encore moins de la scène, puisqu’il enchaîne prestations live et tournées. Puis, au mois de mai 2000, débarque « Open The Door », certainement son album solo le plus abouti. Le tout est produit par le Nantais Alan Simon et enregistré entre la France, la Californie, l’Italie et la République Tchèque. Très vite après sa sortie, l’album est propulsé disque d’or.

Parmi les musiciens qui l’accompagnent sur ce troisième opus, on trouve beaucoup de Français, dont le bassiste Laurent Vernerey (Teri Moïse, MC Solaar, Pascal Obispo,…), mais aussi le Quimpérois Dan Ar Braz, ou encore le percussionniste Denis Benarrosh (Francis Cabrel, Zaz, Alain Souchon,…).

Au niveau des morceaux, c’est un festival de mini-réussites. À commencer par « Hungry », qui ne peut que faire penser à l’âge d’or de Supertramp, avec ses parties mélodiques au saxophone assurées ici par Christophe Nègre (Laurent Garnier, Michel Berger, Jean-Jacques Goldman,…). Il y a aussi le single « The More I Look », aux côtés du fidèle Trevor Rabin (Yes, Tina Turner, Seal,…), ou encore la très roadie « Showdown », accompagnée de l’harmoniciste Jean-Jacques Milteau et du regretté Didier Lockwood. Enfin, il y a « Open The Door », petit bijou en deux parties où tout est aligné et en osmose, pour un voyage musical inoubliable. En somme, un très bon album de musiciens à destination d’oreilles exercées.

Côté vinyle, c’est le Canada qui a été servi, quinze ans après la publication de l’album en CD et cassette chez Epic. Ici, il s’agit de deux vinyles noirs gravés à la vitesse de 45 tours, et entièrement auto-édités par l’artiste. 500 exemplaires seulement ont été signés par Hodgson et proposés exclusivement sur son site officiel, ainsi que durant certains concerts de la tournée nord-américaine de 2016.